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在过去的几十年里，巨大的技术飞跃使音乐艺术家能够创造出令人惊叹的视觉效果和声音。像Max MSP这样的音乐软件，实际上是一个用于创建复杂声音的数字模块化系统，它允许音乐家和制作人做过去几十年难以想象的事情，比如生成音乐（由算法创建的曲调），无论是在工作室还是现场设置。在视觉方面，Cinema 4D，Houdini和Blender等软件允许音乐家及其合作者创建复杂而令人惊叹的3D动画。


然而，尽管音频技术取得了进步，但大多数艺术家的现场音乐会体验仍然保持不变：成群的演讲者向观众播放音乐。并不是说这种传统体验已经过时，但是很多艺术家并没有将声音的进步融入到视觉中的巨大飞跃中。



许多技术专家，音乐家和声音艺术家正在挑战现场声音的历史安排。简而言之，这些艺术家正致力于让声音变得更加身临其境。也就是说，音乐甚至只是实验性的声音可以做一些事情，比如用高分贝的声音振动围绕着听众，就像My Bloody Valentine在他们2008年的巡演中所做的那样，或者当Bjork在她的Biophilia巡回演唱会上做的时候，她在舞台上场馆中心创造更加身临其境的声音（和视觉）体验，因此观众可以在其周围移动。

以下是一些正在研究声音前沿的艺术家。值得注意的是，这些艺术家使用的技术并不是全新的。有些可能是比其他人更近的创新，但关键是艺术家在概念上足够雄心勃勃，可以将他们与他们的音乐结合起来，并带入现场表演体验。   



1. Max Cooper
电子音乐家Max Cooper几乎生活在声音和视觉的前沿。每个项目，每个发布和每个音乐会似乎都是一个大脑和好奇的艺术家的机会，可以探索当前渗透的技术，并将它们带入录制音乐，视觉和现场表演的领域。


早在2014年，Cooper就投入了4D声音，让观众可以从多个角度听到声音。结果是4DSOUND，一个由荷兰公司4D Sound建造的48扬声器沉浸式音响设备，Cooper将其描述为“替代现实”。



48个扬声器被放置在15个气缸上。每个气缸都有三组扬声器：一个位于腰部水平，一个位于头部高度，一个位于头顶。每个安装在钢制平台上的气缸底座都能产生非常低的低音频率。


正如我在2014年写的Cooper的4DSOUND一样，一套开场曲目可能听起来好像在下雨，Cooper产生了数千个雨滴落在整个房间空间的效果。在另一条轨道中，他可能会操纵4D系统来创建“穿过太空的物理墙”。



“4D系统，以及我在音乐方面对空间进行的大量工作，并尝试在其中创造沉浸式空间和结构，与心理声学和声音的力量有关，可以创造我们对现实的感知我们在，“库珀说。“我们的想法是创造一种可以非常漂亮，轻松，刺激，甚至不舒服的另类现实，但仍然是一种可以传达新想法的有趣体验。”


距离Cooper的4DSOUND已经有几年了，但是他还有一些东西。该节目暗示了扬声器系统的未来，远远超过应该使用多少扬声器的传统智慧，应该放置什么类型，放置位置以及在哪些空间。



2. Suzanne Ciani
数十年来，电子音乐先驱Suzanne Ciani一直处于沉浸式声音的最前沿。虽然Ciani非常正确地被称为专家合成器，特别是在Buchla模块化系统方面，她长期以来一直是四声道声音的支持者，坚持将其用于现场表演。


四声道音响系统使用四个主要扬声器放置在场地的四个角落。因此，现场音乐被分成四个声道，允许声音以立体声音响系统无法实现的方式在观众周围移动。它类似于人们习惯在电影院听到星球大战这样的电影：声音来自不同方向的各个方向，以对角线，头顶和其他各个方向传播。

生活，沉浸式四声道声音的最大绊脚石就是这样做的意愿，以及小型场地可能不会有的钱。但Ciani喜欢使用四声道音响系统和她的模块化合成装置。


“人们喜欢Quad，”Ciani 在2017年告诉Fast Company。“但有时很难得到。你必须与场地作斗争。你必须与发起人战斗。“


但即使这样，四边形也很困难。每个场地都有不同的形状，因此这种旋风式电子声音的质量也因空间而异。



布莱恩伊诺
从某种意义上说，Brian Eno一直处于录音声音的最前沿。但凭借空形式主义，Eno从根本上将现场表演重新构想为沉浸式环境。


现在，空形式主义不是你典型的现场表演。由柏林音乐与音乐研究所的ISM Hexadome在柏林的Gropius Bau委托进行的首次a / v安装，Empty Formalism本质上是一个将巡回世界的视听表演。Eno和他经常合作的Peter Chilvers创作了一个视听作品，利用ISM Hexadome的六边形结构，在3D声场中有六个大屏幕和50多个扬声器。该设置允许Eno和Childers创建一个空间舞台，可以说，体验音乐和变异的视觉效果。



在ISM Hexadome中还有九个其他身临其境的视听表演和装置，包括Thom Yorke和3D视觉艺术家Tarik Barri，以及Holly Herndon和Mathew Dryhurst（下面有更多关于他们）的团队，但这不是Eno唯一的身临其境声音项目。早在2006年，Eno就推出了7700万幅绘画作品，这是一种生成的视听装置，运行在软件上，可以在每次展示时实时创建视觉和声音的新安排。

Eno和Chilvers也刚刚推出了Bloom：Open Space，这是一个混合现实装置，它使用了微软的混合现实耳机HoloLens。它允许听众和观众与视觉对象进行交互，并基本上在他们周围的空间内编排一段音乐。  



与Ciani和Cooper一样，Eno - 以及ISM Hexadome计划中的其他艺术家 - 正在探索空间化声音。也就是说，如何利用给定空间（无论是Hexadome还是废弃工厂）来创造新的动态声音体验？然后，当然，如何通过视觉效果进一步增强这种声音？这几天似乎是有趣的Eno，而不是传统的流行音乐或电子音乐唱片格式。



4.ValgeirSiguresson和Liam Byrne
今年在北卡罗来纳州达勒姆举办的Moogfest，冰岛唱片制作人兼作曲家ValgeirSiguresson和中提琴大师Liam Byrne创作了一个8小时的“睡眠音乐会”。在军械库场地，Siguresson和Byrne邀请了Moogfest观众躺在床垫或瑜伽垫，枕头，睡袋和被子上 - 并在两人的沉浸式声音中迷失自我。

随着Siguresson的电子产品，Byrne演奏他的中提琴和其他音乐家演奏某些其他乐器，这对音乐混合了巴洛克音乐和现代简约电子音乐。Siguresson的电子无人机与Byrne的弦乐器融合在一起，创造出一种身临其境的环境音乐，以及环绕声的启动。


音乐本身并不是最前沿的，具有过去和现代的多样性，但是以一种共同的方式体验音乐，在宁静甚至睡眠状态（对某些人来说）体验音乐的想法，肯定会挑战传统的生活观念。演唱会可以。这种沉浸式表现是我们在未来几年可能会看到的类型。并非我们都会在公共床上观看和聆听音乐表演，但音乐家和表演者将从根本上重新思考观众将如何体验他们的表演，无论是在同样的宁静状态，还是在更强烈的空间和身体安排中。



5. Holly Herndon和Mathew Dryhurst

与Eno的空形式主义一样，Holly Herndon和Mathew Dryhurst为ISM Hexadome创建了沉浸式装置。标题为Spawn训练仪式I：深信仰，Herndon和Dryhurst的互动音乐会涉及一个人工神经网络“婴儿”，听取其创作者以及观众的声音，以及即兴创作新的和抽象的作品。这听起来有点像Pete Townshend为Lifehouse项目遗弃的概念，观众将在实时创建实时电子摇滚中发挥作用，当然还有空间音响系统，使整体体验更加身临其境。


“对于这首训仪式上，我们的集合成员将导致练习，以帮助产卵模型和理解她周围的世界，” 写赫恩登和Dryhurst。“我们将一起背诵文字，一起唱歌和表演，并集体制作声音，让她见证，理解，然后解释为Hexadome中安装的作品。”


他们补充说：“培训将由一群人物组成，这些人物的模仿代表了当代战争中数据收集和网络训练的新兴和竞争原型，因此，Spawn可以更好地了解她出生的新世界。” 。“这个过程挑战我们自问，我们是这个新时代的父母还是孩子？我们是在训练自己的系统来实现我们的理想，还是我们宁愿接受再培训以服务于他人的不透明目的？“


当然，这是一个很高的概念。创造一种利用尖端声音系统和空间的现场表演是很棒的，但是阐明它存在的原因，以及为什么它首先被执行，可能同样重要。在未来，也许大多数音乐会体验，无论大小，都将是同样高的概念。

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2019-4-28 22:59 上传